黄色动感的进化：色彩理论和感知中的变化 (黄色动感的进球视频)

引言

黄色是一种充满活力和活力的颜色，在人类历史上一直受到推崇。从史前洞穴壁画到当代艺术，黄色被用来表达各种情感，从喜悦和乐观到恐惧和危险。随着时间的推移，人类对黄色的感知不断变化，这反映了我们不断变化的文化、科学和社会规范。在本文中，我们将探索黄色动感的进化，探讨色彩理论和人类感知的变化是如何塑造对这种标志性颜色的理解的。

色彩理论中的黄色

在色彩理论中，黄色位于色谱的原色之间，即红色和蓝色。它是一种暖色，通常与阳光、乐观和能量联系在一起。由于其高可见度和吸引力，黄色经常用于交通标志、广告和品牌标识。随着时间的推移，色彩理论家对黄色的特征提出了不同的看法。在文艺复兴时期的高级文艺复兴时期，黄色被认为是一种高贵和优雅的颜色，经常用于描绘神圣人物和王室。在浪漫主义时期，艺术家开始将黄色与嫉妒、背叛和疯狂等负面情感联系在一起。

感知中的黄色

人类对黄色的感知受到一系列因素的影响，包括文化、光线和个人偏好。在某些文化中，黄色与快乐和繁荣联系在一起，而在另一些文化中，它被视为一种不吉利或警告的颜色。光线也会影响我们对黄色的感知。在明亮的光线下，黄色看起来鲜艳而明亮，但在昏暗的光线下，它看起来更沉闷和柔和。个人的偏好也会影响他们对黄色的感知。一些人被黄色的活力和能量所吸引，而另一些人则可能发现它太刺眼或令人厌烦。

黄色动感的社会意义

黄色在社会上具有重要的意义，通常与特定情感、事件和对象联系在一起。快乐和乐观：黄色经常与快乐、乐观和积极的情绪联系在一起。阳光和雏菊等自然元素经常以黄色描绘，以唤起这些情绪。警告和危险：黄色也被广泛用作警告色，用于交通标志、危险区域和有毒物质标签。其高可见度和令人不安的性质使其成为有效传达危险信息的理想选择。财富和成功：在某些文化中，黄色与财富、成功和繁荣联系在一起。在中国，黄色被认为是帝王之色，经常用于装饰宫殿和寺庙。嫉妒和背叛：黄色有时与嫉妒、背叛和不忠联系在一起。这种联系可以追溯到文艺复兴时期，当时黄色经常用于描绘犹大。

当代黄色动感

在当代艺术、设计和流行文化中，黄色继续扮演着重要的角色。艺术家们使用黄色来表达各种情感，从活力和希望到愤怒和恐惧。黄色也经常用于品牌标识和产品设计，以其吸引力和可见度来吸引消费者。流行文化中，黄色与许多标志性人物和物体联系在一起，例如米老鼠、大鸟和星际迷航制服。这种联系有助于将黄色与欢乐、友善和冒险联系起来。

结论

黄色是一种充满活力和多变的颜色，几个世纪以来不断塑造着人类的文化和感知。从史前洞穴壁画到当代艺术，黄色一直被用来表达情感、传达信息和创造社会意义。随着色彩理论和人类感知的不断变化，黄色动感的进化反映了我们对这个标志性颜色的不断变化的理解。今天，黄色仍然是一种Powerful的颜色，具有唤起各种情感和传递重要信息的强大能力。

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色彩理论包括什么 概念方面

1、 RGB模式 RGB是色光的色彩模式。 R代表红色，G代表绿色，B代表蓝色，三种色彩叠加形成了其它的色彩。 因为三种颜色都有256个亮度水平级，所以三种色彩叠加就形成1670万种颜色了。 也就是真彩色，通过它们足以在现绚丽的世界。 在RGB模式中，由红、绿、蓝相叠加可以产生其它颜色，因此该模式也叫加色模式。 所有显示器、投影设备以及电视机等等许多设备都依赖于这种加色模式来实现的。 就编辑图象而言，RGB色彩模式也是最佳的色彩模式，因为它可以提供全屏幕的24bit的色彩范围，即真彩色显示。 但是，如果将RGB模式用于打印就不是最佳的了，因为RGB模式所提供的有些色彩已经超出了打印的范围之外，因此在打印一幅真彩色的图象时，就必然会损失一部分亮度，并且比较鲜艳的色彩肯定会失真的。 。 这主要因为打印所用的是CMYK模式，而CMYK模式所定义的色彩要比RGB模式定义的色彩少很多，因此打印时，系统自动将RGB模式转换为CMYK模式，这样就难免损失一部分颜色，出现打印后失真的现象。 2、 CMYK模式 当阳光照射到一个物体上时，这个物体将吸收一部分光线，并将剩下的光线进行反射，反射的光线就是我们所看见的物体颜色。 这是一种减色色彩模式，同时也是与RGB模式的根本不同之处。 不但我们看物体的颜色时用到了这种减色模式，而且在纸上印刷时应用的也是这种减色模式。 按照这种减色模式，就衍变出了适合印刷的CMYK色彩模式。 CMYK代表印刷上用的四种颜色，C代表青色，M代表洋红色，Y代表黄色，K代表黑色。 因为在实际引用中，青色、洋红色和黄色很难叠加形成真正的黑色，最多不过是褐色而已。 因此才引入了K——黑色。 黑色的作用是强化暗调，加深暗部色彩。 CMYK模式是最佳的打印模式，RGB模式尽管色彩多，但不能完全打印出来。 那么是不是在编辑的时候就采用CMYK模式呢？不是，原因如下： 用CMYK模式编辑虽然能够避免色彩的损失，但运算速度很慢。 主要因为：1、即使在CMYK模式下工作，Photoshop也必须将CMYK模式转变为显示器所使用的RGB模式。 2、对于同样的图象，RGB模式只需要处理三个通道即可，而CMYK模式则需要处理四个 馈?/p> 由于用户所使用的扫描仪和显示器都是RGB设备，所以无论什么时候使用CMYK模式工作都有把RGB模式转换为CMYK模式这样一个过程。 因此，是否应用CMYK模式进行编辑都成在RGB模式和CMYK模式转换的问题。 这里给个建议，也算是我的一点经验吧。 先用RGB模式进行编辑工作，再用CMYK模式进行打印工作，在打印前才进行转换，然后加入必要的色彩校正，锐化和休整。 这样虽然使Photoshop在CMYK模式下速度慢一些，但可节省大部分编辑时间。 为了快速预览CMYK模式下图象的显示效果，而不转换模式可以使用View菜单下的CMYK Preview（CMYK 预览）命令。 这种打印前的模式转换，并不是避免图象损失最佳的途径，最佳方法是将Lab模式和CMYK模式相结合使用，这样可以最大程度的减少图象失真。 下面介绍Lab模式。 3、 Lab模式 Lab模式是有国际照明委员会（CIE）于1976年（哇，好遥远呀。 ）公布的一种色彩模式。 你已经明白了：RGB模式是一种发光屏幕的加色模式，CMYK模式是一种颜色反光的印刷减色模式。 那么，Lab有是什么处理模式呢？ Lab模式既不依赖光线，也不依赖于颜料，它是CIE组织确定的一个理论上包括了人眼可以看见的所有色彩的色彩模式。 Lab模式弥补了RGB和CMYK两种色彩模式的不足。 Lab模式由三个通道组成，但不是R、G、B通道。 它的一个通道是亮度，即L。 另外两个是色彩通道，用A和B来表示。 A通道包括的颜色是从深绿色（底亮度值）到灰色（中亮度值）再到亮粉红色（高亮度值）；B通道则是从亮蓝色（底亮度值）到灰色（中亮度值）再到黄色（高亮度值）。 因此，这种色彩混合后将产生明亮的色彩。 Lab模式所定义的色彩最多，且与光线及设备无关并且处理速度与RGB模式同样快，比CMYK模式快很多。 因此，可以放心大胆的在图象编辑中使用Lab模式。 而且，Lab模式在转换成CMYK模式时色彩没有丢失或被替换。 因此，最佳避免色彩损失的方法是：应用Lab模式编辑图象，再转换为CMYK模式打印输出。 当你将RGB模式转换成CMYK模式时，Photoshop将自动将RGB模式转换为Lab模式，再转换为CMYK模式。 在表达色彩范围上，处于第一位的是Lab模式，第二位的是RGB模式，第三位是CMYK模式。 4、HSB模式 在介绍完三种主要的色彩模式后，现在介绍另一种色彩模式——HSB色彩模式，它在色彩汲取窗口中才会出现。 在HSB模式中，H表示色相，S表示饱和度，B表示亮度。 色相：是纯色，即组成可见光谱的单色。 红色在0度，绿色在120度，蓝色在240度。 它基本上是RGB模式全色度的饼状图。 饱和度：表示色彩的纯度，为0时为会色。 白、黑和其他灰色色彩都没有饱和度的。 在最大饱和度时，每一色相具有最纯的色光。 亮度：是色彩的明亮读。 为0时即为黑色。 最大亮度是色彩最鲜明的状态。

水粉色彩理论

搬运大法。 。 。 水粉画的性能材料及作画工具(一)一、水粉画的概念水粉画就是用水调合粉质颜料来作画的一种绘画形式。 水粉画是以水作为媒介，这一点，它与水彩画是相同的。 所以，水粉画也可以画出水彩画一样的酣畅淋漓的效果。 但是，它没有水彩画透明。 它和油画也有相同点，就是它也有一定的覆盖能力。 而与油画不同的是，油画是以油来作媒介，颜色的干湿几乎没有变化。 而水粉画则不然，由于水粉画是以水加粉的形式来出现的，干湿变化很大。 所以，它的表现力介于油画和水彩画之间。 水彩画的特点是颜色透明，通过深色对浅色的叠加来表现对象。 而水粉画的表现特点是处在不透明和半透明之间。 如果在有颜色的底子上覆盖或叠加，那么这个过程，实际上是一个加法，底层的色彩多少都会对表层的颜色产生影响，这也就是它较难掌握的地方。 但是，有经验的画家往往就是利用它的这种特性来表达水粉色彩自身的和特有的艺术魅力。 二、水粉色彩纯度与明度的局限性水粉画在湿的时候，它颜色的饱和度和油画一样很高，而干后，由于粉的作用及颜色失去光泽，饱和度大幅度降低，这就是它颜色纯度的局限性。 水粉明度的提高是通过稀释、加粉或含粉质颜料较多的浅颜色来实现的。 它的干湿变化非常之大，往往有些颜色只加少许的粉，在湿时和干时，其明度就表现出或深或浅的差别。 由于水粉画干后颜色普遍变浅，所以，运用好粉是水粉画技术上最难解决的问题。 而含粉的色彩又恰恰是水粉画的魅力所在，它使画面的颜色充满水粉画特有的“粉”的品质，而出现特别丰富的中间色彩。 三、水粉画颜料的个性差异水粉颜料大部分颜色是比较稳定的，如土黄、土红、赭石、桔黄、中黄、淡黄、橄榄绿、粉绿、群青、钴蓝、湖蓝等等。 但是，水粉颜料中的深红、玫瑰红、青莲、紫罗兰等颜色就极不稳定，容易出现翻色，不易覆盖。 水粉颜色的透明色彩种类较少，只有柠檬黄、玫瑰红、青莲等少数几种颜色，要画好水粉画就必须充分掌握水粉各颜料的个性，了解它的受色能力的强弱、覆盖能力的大小、色价的高低。 这些问题都要通过不断实践，做到熟能生巧。 四、作画工具的选择现在市场流行的水粉笔不外乎三大类——羊毫、狼毫及尼龙毛笔。 羊毫的特点是含水量较大，醮色较多，优点是一笔颜色涂出的面积较大，缺点是由于含水量太大，画出的笔触容易浑浊，不太适合于细节刻画。 狼毫的特点是含水量较少，比羊毫的弹性要好，适合于局部细节的刻画。 随着现代化工业的进步，市面上大量流行尼龙毛笔，在选择尼龙毛笔的时候，要特别注意它的质地，要软且具有弹性，切忌笔锋过硬。 过硬笔锋的笔往往很难醮上颜料，在画面上容易拖起下面的颜色，使覆盖力大为降低。 在选择笔的形状上，不同的种类都选择一些，如扁头、尖头、刀笔等，以备不同场合，不同题材的作画之需。 颜料最好使用正宗美术用品生产厂家生产的锡管装的专业产品，它膏体细腻，色彩较饱和。 切勿被廉价的劣质产品所迷惑。 在纸张的选择上，应选用有纹理的优质水彩画纸作画，吸水性不能太强。 有些劣质的纸张，不但吸水还吸颜色，使颜色干后发黑，用这样的纸张作画，画面的颜色难以明快亮丽水粉画的性能材料及作画工具(二)关 于 固 有 色固有色，就是物体本身所呈现的固有的色彩。 对固有色的把握，主要是准确的把握物体的色相。 由于固有色在一个物体中占有的面积最大，所以，对它的研究就显得十分重要。 一般来讲，物体呈现固有色最明显的地方是受光面与背光面之间的中间部分，也就是素描调子中的灰部，我们称之为半调子或中间色彩。 因为在这个范围内，物体受外部条件色彩的影响较少，它的变化主要是明度变化和色相本身的变化，它的饱和度也往往最高。 范例1 A 《苹果与梨》(单个物体练习展示)A－1 通常我在画水果时，因为柠檬黄没有覆盖能力，所以利用柠檬黄颜色的透明性，先用柠檬黄薄涂一层打底，此目的是为了把握水果颜色的纯度与明度。 A－2 从物体的暗部入手，用固有色加深颜色先画出物体的暗部，再用纯度较高的颜色画出固有色。 A－3 在亮部加上一些浅黄色，形成苹果的调子关系。 A－4 画出投影，提高苹果亮部的明度。 注意亮部要偏冷。 A－5 画出梨子的暗部与半调子。 A－6 用笔锋扫暗部反光。 在梨的亮部加上少许柠檬黄和白色，使亮部冷一些。 用尖头笔画出梨和苹果把。 A－7 加强梨的暗部。 在苹果的亮部再做进一步塑造，使苹果的亮部色彩更丰富一些。 A－8 完成以后的苹果和梨。 水粉画的着色方法水粉画颜色有较强覆盖能力，但也不能毫无顾及地随便乱涂，它有自己一定的着色方法和步骤。 从着色顺序方面有如下几种：1、从整体到局部水粉画是色彩画的一种，它同水彩、油画一样，都是从画大色块入手。 整体着眼和从大体入手是我们的作画原则，大色块和大片色，对画面色调起决定性作用，应首先画准组成画面的主要色块的色彩关系，然后再进行局部的塑造和细节刻划。 2、从深重色到明亮色明亮色多是厚涂，一遍遍薄涂亮不起来。 先画深重色，容易被明亮色覆盖；相反，一般是先画面积较大的深重色（包括暗部和明部和重色），予以确定画面色彩的骨架。 逐步向中间色和明亮色推移。 以明亮色为主的画面，还是要先涂明亮的大色块，颜色稍薄一点，局部小面积的深重色后加上去。 如果中间色为主，作画时先涂中间色，运用并置的方法，分别向面积较小的暗色的明亮色画过去。 方法不是死的，要根据情况灵活掌握。 3、从薄涂到厚画薄涂即用水稀释颜料，如同画水彩画，根据总的色彩感觉，迅速地薄涂一遍，造成画面整体的色彩环境，尔后逐渐加厚，深入表现。 薄涂比较正确的地方要善于保留，使画面色彩有厚有薄，以增加色彩有层次和厚重的效果。 水粉画颜料不象油画、丙烯颜料附着力强，可随意画厚。 水粉画的厚涂要厚的适当，过厚容易龟裂脱落，所以较厚水彩画的基本技法1、干画法和湿画法干画法是一种多层画法。 用层涂的方法在干的底色上着色，不求渗化效果，可以比较从容地一遍遍着色，较易掌握，适于初学者进行练习。 表现肯定、明晣的形体结构和丰富的色彩层次，是干画法的特长。 干画法可分层涂、罩色、接色、枯笔等具体方法。 层涂：即干的重叠，在着色干后再涂色，一层层重叠颜色表现对象。 在画面中涂色层数不一，有的地方一遍即可，有的地方需两遍三遍或更多一点，但不宜遍数过多，以免色彩灰脏失去透明感。 层涂象有色下班重叠，事先预计透出底色的混合效果，这一点是不能忽略的。 罩色:实际上也是一种干的重叠方法，罩色面积大一些，譬如画面中几块颜色不够统一，得用罩色的方法，蒙罩上一遍颜色使之统一。 某一块色过暖，罩一层冷色改变其冷暖性质。 所罩之色应以较鲜明色薄涂，一遍铺过，一般不要回笔，否则带起底色会把色彩搞脏。 在着色的过程中和最后调整画面时，经常采用此法。 接色：干的接色是在邻接的颜色干后从其旁涂色，色块之间不渗化，每块颜色本身也可以湿画，增加变化。 这种方法的特点是表现的物体轮廓清晰、色彩明快。 枯笔：笔头水少色多，运笔容易出现飞白；用水比较饱满在粗纹纸上快画，也会产生飞白。 表现闪光或柔中见刚等效果常常采用枯笔的方法。 干画法不能只在“干”字方面作文章，画面仍须让人感到水分饱满、水渍湿痕，避免干涩枯燥的毛病。 湿画法可分湿的重叠和湿的接色两种。 湿的重叠：将画纸浸湿或部分刷湿，末干时着色和着色末干时重叠颜色。 水分，时间掌握得当，效果自然而圆润。 表现雨雾气氛、湿润水汪的情趣是其特长，为某些画种所不及。 湿的接色：邻近末干时接色，水色流渗，交界模糊，表现过渡柔和色彩的渐变多用此法。 接色时水分便函用要均匀，否则，水多向少处冲流，易产生不必要的水渍。 画水彩大都有干画、湿画结合进行，湿画为主的画面局部采用干画，干画为主的画面也有湿画的部分，干湿结合，表现充分，浓淡枯润，妙趣横生。 2、水分的掌握水分的运用和掌握是水彩技法的要点之一。 水分在画面上有渗化、流动、蒸发的特性，画水彩要熟悉“水性”。 充分发挥水的作用，是画好水彩画的重要因素。 掌握水分应注意时间、空气的干湿度和画纸的吸水程度。 时间问题：进行湿画时间要掌握得恰如其分，叠色太早太湿易失去应有的形体，太晚底色将干，水色不易渗化，衔接生硬。 一般在重叠颜色时，笔头含水宜少，含色要多，便于把握形体，以可使之渗化。 如果重叠之色较淡时，要等底色稍干再画。 空气的干湿度:画几张水彩就能体会到，在室内水分干得较慢，在室外潮湿的雨雾天气作画，水分蒸发更慢。 在这种情况下，作画用水宜少；在干燥的气候情况下水分蒸发快，必须多用水，同时加快调色的作画的速度。 画纸的吸水程度：要根据纸的吸水快慢相应掌握用水的多少，吸水慢时用水可少，纸质松软吸水较快，用水需增加。 另外，大面积渲染晕色用水宜多，如色块较大的天空、地面和静物、人物的背景，用水饱满为宜；描写局部和细节用水适当减少。 3、“留空”的方法与油画、水粉画的技法相比，水彩技法最突出的特点就是“留空”的方法。 一些浅亮色、白色部分，需在画深一些的色彩时“留空”出来。 水彩颜料的透明特性决定了这一作画技法，浅色不能覆盖深色，不象水粉和油画那样可以覆盖，依靠淡色和白粉提亮。 在欣赏水彩作品时留意一下，会发现几乎每一幅都运用了“留空”的技法。 恰当而准确地空白或宛浅亮色，会加强画面的生动性与表现力；相反，不适当地乱留空，易造成画面琐碎花乱现象。 着色之前把要留空之处用铅笔轻轻标出，关键的细节，即或是很小的点和面，都要在涂色时巧妙留出。 另外，凡对比色邻接，要空出对方，分别着色，以保持各自的鲜明度。 有的初学者把不必要的空的形状空了出来，然后顺沿轮廓涂描颜色，还有的把该空的地方顺沿轮廓空得很死、太刻板，失去生动感。 空的既准确又生动，是技巧熟练的体现。 在实践中反复练习，就会熟能生巧。 4、笔法笔法即用笔的方法。 用笔与用水、用色是紧密相关的，作画时每一笔均含水与色，或水多色少，或色多水少，或水色适中。 笔在纸上运动会出现笔痕，就是我们通常所说的“笔触”从笔触可以看出作画时的笔法。 画纸的粗细，画笔的硬软，运笔的快慢，根据物体的结构，笔法变化多端，有点有线，刚柔渴润，从表现物象的形与色出发，恰当地用笔增强塑造性和画面生动性。 水彩画面积较大的涂色，水分的渗化将笔触隐没，趁湿重置色彩笔触感觉含蓄，较干时作画，笔触清晰可见。 着色过程中一刻也离不开用笔，越是接近完成用笔越重要，其笔触不再被覆盖，暴露无遗地展现给欣赏者水粉基础知识2009年07月08日 22:32水粉画颜色有较强覆盖能力，但也不能毫无顾及地随便乱涂，它有自己一定的着色方法和步骤。 从着色顺序方面有如下几种：1、从整体到局部水粉画是色彩画的一种，它同水彩、油画一样，都是从画大色块入手。 整体着眼和从大体入手是我们的作画原则，大色块和大片色，对画面色调起决定性作用，应首先画准组成画面的主要色块的色彩关系，然后再进行局部的塑造和细节刻划。 2、从深重色到明亮色明亮色多是厚涂，一遍遍薄涂亮不起来。 先画深重色，容易被明亮色覆盖；相反，一般是先画面积较大的深重色（包括暗部和明部和重色），予以确定画面色彩的骨架。 逐步向中间色和明亮色推移。 以明亮色为主的画面，还是要先涂明亮的大色块，颜色稍薄一点，局部小面积的深重色后加上去。 如果中间色为主，作画时先涂中间色，运用并置的方法，分别向面积较小的暗色的明亮色画过去。 方法不是死的，要根据情况灵活掌握。 3、从薄涂到厚画薄涂即用水稀释颜料，如同画水彩画，根据总的色彩感觉，迅速地薄涂一遍，造成画面整体的色彩环境，尔后逐渐加厚，深入表现。 薄涂比较正确的地方要善于保留，使画面色彩有厚有薄，以增加色彩有层次和厚重的效果。 水粉画颜料不象油画、丙烯颜料附着力强，可随意画厚。 水粉画的厚涂要厚的适当，过厚容易龟裂脱落，所以较厚而不准的颜色应洗掉再画。 具体着色的技法应掌握下列几种：（1）干画法和湿画法在水粉画中，干画法一般是指厚涂重叠的方法。 此法可以反复地画，一遍不行再画一遍，表现对象比较充分、深刻，也宜于初学者掌握。 这种厚画的画面，类似油画的效果，有浑厚之感。 湿画法是以薄画为主，发挥水色渗化的效果，着色遍数不宜多，甚至白色部分可以空出白纸，具有水彩画湿润流动的意趣。 当然，一些局部加厚也是可以的，干湿结合会增强表现力。 （2）并置和重置并置是笔触在画纸上并列摆置，着色遍数较少，开始用色即厚一些。 如强调二度空间的画面。 先用毛粗暴色线勾一下轮廓及结构，添色时用并置的方法把颜色摆上去，压出色线。 重置是一种叠色的方法，以色点、色线、色块进行重叠着色。 作画大都是重置与并置结合运用，以利充分地表现对象。 （3）干湿变化的掌握颜色干湿变化是水粉颜料的特性之一。 将颜色涂在画纸上，湿时感觉比较恰当，干后才会发现变淡变灰一些。 不了解这一特性往往给着色带来被动。 掌握这一特性，事先预计干后的效果，可避免后加之色成为不协调的“补钉”。 作画时，应从薄到厚进行着色。 先厚画再薄涂干湿变化大；先薄画，逐步减少用水画厚，干湿变化不明显，较易掌握。 修改画面时也适合厚涂。 也可在要修改的周围涂一点清水，修改的部分干后就会自然统一。 （4）色彩的衔接画面需两块颜色衔接要自然，从明到暗要过渡圆润，色彩要衔接恰当。 方法有三：a、利用湿画，使明色与暗色、此色与彼色，由于水的作用交互渗化，这样效果会自然而柔润。 一遍不行，可照此方法再画一遍。 b、在两色之间用中间明度的颜色画上去，虽有明显笔痕，远看过渡自然。 c、两色衔接生硬之处，可用其中一色在邻接处干扫几下，增加过渡的色阶。 也可用笔蘸少量清水在生硬之处轻扫几下，使两色衔接处从明度或色彩方面揉出过渡层次，转折即会自然。 （5）用笔笔色在纸面上运动，出现笔痕，即谓笔触。 一般通过画面中的笔触可以看出画家大致的作画顺序和怎样用笔来塑造对象的，用笔不是目的，是一种表现手段，许多画家的笔法是有所区别的，有的大笔纵横，有的小笔点绘。 哪一种笔法好呢？怎样用笔才对？应该从表现对象的目的着眼，根据不同物象的不同结构、不同质感和作者的不同感受，立足于表现。 要从表现对象出发，为表现形体结构和色彩，灵活运用涂、摆、点、勾、堆、扫等各种笔法进行描绘。 水粉画基础知识色彩对比色：红---绿黄---紫蓝---橙以上三组颜色既是对比色又是互补色，在色彩画中的应用十分广泛，在这三组色的应用中需要注意的是不能用过纯的,颜色去作画（不加以调和的对比色），否则画面会出现“火”的现象，即平时人们所说的“大红大绿”----特别俗气。 漂亮的颜色是在灰色调之中的微妙变化和对比，对比色应该统一在一个画面的整体色调中，所有的对比运用都不能超过整体。 即在整体之中求变化（画面的统一性）。 黄+蓝=绿红+蓝=紫红+黄=橙红+蓝+黄=黑（灰）白色和黑色都是灰色，白色是灰色之中较纯较亮的颜色，而黑色则是较暗的较脏的灰色浅谈色彩对比色彩对比：两种以上的色彩，以空间或时间关系相比较，能比较出明显的差别，并产生比较作用，被称为色彩对比。 该想象分为两大类：同时对比和连续对比。 色相对比因色相之间的差别形成的对比。 当主色相确定后，必须考虑其他色彩与主色相是什么关系，要表现什么内容及效果等，这样才能增强其表现力。 将相同的橙色，放在红色或黄色上，我们将会发现，在红色上的橙色会有偏黄的感觉，因为橙色是由红色和黄色调成的，当他和红色并列时，相同的成份被调和而相异部份被增强，所以看起来比单独时偏黄，以其他色彩比较也会有这种现象，我们称为色名对比。 除了色感偏移之外，对比的两色， 有时会发生互相色渗的现象， 而影响相隔界线的视觉效果， 当对比的两色， 具有相同的彩度和明度时， 对比的效果越明显，两色越接近补色，对比效果越强烈。 明度对比因明度之间的差别形成的对比。 （柠檬黄明度高，蓝紫色的明度低，橙色和绿色属中明度，红色与蓝色属中低明度）。 明度对比将相同的色彩，放在黑色和白色上，比较色彩的感觉，会发现黑色上的色彩感觉比较亮，放在白色上的色彩感觉比较暗，明暗的对比效果非常强烈明显，对配色结果产生的影响，明度差异很大的对比，会让人有不安的感觉。 纯度对比一种颜色与另一种更鲜艳的颜色相比时，会感觉不太鲜明，但与不鲜艳的颜色相比时，则显得鲜明，这种色彩的对比便称为纯度对比. 补色对比将红与绿、黄与紫、蓝与橙等具有补色关系的色彩彼此并置，使色彩感觉更为鲜明，纯度增加，称为补色对比。 （视觉的残像现象明显）。 冷暖对比由于色彩感觉的冷暖差别而形成的色彩对比，称为冷暖对比。 （红、橙、黄使人感觉温暖；蓝、蓝绿、蓝紫使人感觉寒冷；绿与紫介与其间），另外，色彩的冷暖对比还受明度与纯度的影响，白光反射高而感觉冷，黑色吸收率高而感觉暖。 环境色及色彩的冷暖色彩的互相关联性“你中有我，我中有你”是对物体色彩的关联性的高度概括。 在色彩画中环境色的影响应该得到夸张和肯定，众所周知，物体的色彩是靠光来表现的，有光才有色彩，没有光线则整个世界都是一片黑暗。 色彩是受光的影响才出现的。 光会照射在一个物体上，也会照射在另外一个物体上，那么照射在这个物体上的光线反射到靠近它的另外一个物体上去，另外的那个物体上就有了这个物体上的颜色。 这就是环境色。 即物体在某一个特定的时间地点光源下所处的一个环境对它的影响的颜色，还需要注意的是，无论怎么夸张环境色和对比色，最重要的是不可以让观众感觉到已经改变了物体所固有的颜色。 这才是好的环境色处理。 可以想象，不同的光源对物体的影响是不同的，也就是说在不同的光源下物体的色彩也是不同的，这就牵扯到了一个冷暖的问题，一般来说，自然光下，在室内的物体通常是暗部暖亮部冷，这是受光源影响而出现的现象，为什么呢？光源是冷的，光源照射在亮部，那么物体的亮部自然就是冷的了。 通过色彩的对比知识我们知道，亮部冷，那么暗部就只有比亮部暖了。 这就是为什么说室内的物体是暗部暖的原因。 在一幅好的色彩作业中我们可以发现，除对比色的运用以外，往往还有鲜灰对比和明暗对比，即近处的物体色彩鲜艳，远处的物体要灰一点，靠光源近的物体要亮一点，靠光源远的物体要暗一点。 方能拉开空间，表达出体积的感觉。 有很多时候有的人在看画的时候会说：“这里哪来这么一笔颜色呢？”“我怎么看不出来有这笔颜色呢？”这就是没有用对比的眼光去看色彩，举个例子，一块红色的衬布放在一块白色衬布上，那么我在处理白色衬布的色彩上肯定会加入一定量的绿色，至少靠近红布的位置应该有，而不是大量”为了衔接”而出现的红色．这样的色彩才会漂亮，最后出现的效果才会不”平”，画面才能有色彩。 白色的问题 粉 很多人说画面的粉就是因为白色加的太多，这是对的，前面已经讲到了光的作用，物体的光感就是靠白色表现的，在水粉画中，白粉就是光，所以一定要敢于加白，但是是不是整个画面都加白，或者白粉越多越好呢？答案是否定的，物体的暗部是不能加粉的，如果把大量的白加在了暗部，那么这就叫做“粉”了，如果你想在画面中得到强烈的光感，只有把白加在恰当的位置，而不是整个画面乱涂一气后注： 总而言之，要想画好色彩，只有充分运用对比与光影的表现，多去观察，多去比较，多按正确的方法去作画而不是走歪门斜道（譬如抠局部，用脏色起稿等）。 也只有这样，才会进步。 方法是假，多练是真。

色彩理论 春夏秋冬早中晚的颜色变化

春夏秋冬早中晚的颜色变化：春：粉红；夏：深绿；秋：金黄；冬淡蓝。 早：淡淡的玫瑰红；中：淡淡的黄色；晚：深蓝色。

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